카스파르 다비트 프리드리히 (1774-1840)

카스파르 다비트 프리드리히 (1774-1840)

Caspar David  Friedrich

카스파르 다비트프리드리히는 19세기 독일 낭만주의 풍경 화가로 대표작은 <안개 바다 위의 방랑자(Wanderer above the Sea of Fog)>입니다.

카스파르 다비트 프리드리히(Caspar David Friedrich, 1774-1840), 안개 바다 위 방랑자(Wanderer above the Sea of Fog), 1817년 경(c. 1817), 94.8x74.8cm, 캔버스에 유채(oil on canvas), 함부르크 미술관(Hamburger Kunsthalle)

안개 바다 위의 방랑자에서 뒷 모습의 남자가 절벽 위에 서서 펼쳐진 풍경을 내려다 보고 있죠. 

왜 뒷모습을 즐겨 그렸는지, 작품 속 등장인물이 누구인지는 모르지만 그건 중요하지 않아 보입니다. 

등장인물의 뒷모습을 통해 등장인물과 관람객의 시선이 일치하게 되고, 탁 트인 풍경을 느끼게 됩니다.

사람마다 느끼는 것이 다른데, 일부 사람들은 고독함이나 외로움을 느낍니다. 고독했던 프리드리히의 자화상 같은 그림이라고 하죠.

그리고, 일부 사람들은 안개 바다 위의 방랑자를 보면서 '호연지기(浩然之氣)'라는 단어를 떠올립니다. 

그런데, 그림 속 인물이 뒷모습이 아니라 앞쪽을 바라보고 있었다면 아마도 그림에서 고독함도, 호연지기도 뒷모습만큼 느끼기는 힘들지 않았을까 싶습니다. (개인마다 느끼는 게 다를테니 모두가 그런 건 아니겠지만요.)

프리드리히는 이 작품에서만 등장인물의 뒷모습을 그린 것은 아니며, 다른 작품들에서도 등장인물의 뒷모습을 즐겨 그렸습니다.

그 중 눈여겨 볼 만한 또 하나의 작품은 <창가의 여인>입니다.

카스파르 다비트 프리드리히(Caspar David Friedrich, 1774-1840), 창가의 여인(Woman at the Window), 1822년, 44x37cm, 캔버스에 유채(oil on canvas), 베를린 구 국립 미술관(Alte Nationalgalerie)

이 그림 역시 등장인물의 뒷모습을 그리고 있다는 점은 같습니다. 하지만, 이 그림에서 뒷모습의 여인은 다른 그림과 달리 모델이 누구인지 알려져 있죠. 바로 프리드리히의 아내 카롤린이라고 합니다. 

프리드리히는 <안개 바다 위의 방랑자>처럼 주로 광활한 대자연을 많이 그렸는데, 이 그림은 실내가 배경이라는 점도 다른 작품과 차이가 나죠.

하늘과 나무가 보이기는 하지만, 작은 창을 통해서 입니다. 이 작품에서의 뒷모습 역시 고독함을 느끼게 하는데, 동시에 밖을 갈망하는 동경같은 것도 느껴집니다.

이스케이프 룸 2: 노 웨이 아웃 (2021)

이스케이프 룸 2: 노 웨이 아웃 (2021)

Escape Room: Tournament of Champions

인간의 야만성을 충족시키기 위한 스포츠, 생명을 건 방탈출 게임을 다룬 이스케이프 룸(2019)의 속편입니다.

전편에서 살아난 조이는 미노스의 정체를 밝히려고 하죠. 같이 살아났던 벤은 잊고 지내고 싶었지만 생명의 은인인 조이와 함께 하기로 합니다.

하지만, 조이가 자신들의 정체를 밝히려 한다는 것을 이미 알고 있는 미노스.

미노스를 찾아가던 조이와 벤은 오히려 다시 게임 속에 빠지게 됩니다. 이번에 갇힌 사람들은 모두 게임을 겪어본 생존자들. 

그들은 영어 부제 'Tournament of Champions'처럼 챔피언전을 시작합니다.

암호를 풀고 방을 빠져나가면 또다른 방이 나오는 전편 비슷한 구조이지만, 이번에는 방의 설계자와 미노스에 대한 이야기도 나오면서 전편과 차이점도 있습니다.

반복되는 전개여서 전편만 못하다는 평도 많았지만, 저는 전편보다 더 재미있게 보았습니다.

전편에서는 초반에 방의 정체를 모르고, 참가자들이 처한 상황을 부정하며 자신들끼리도 티격태격하는 답답함이 있었다면, 이번 편에서는 다들 한 번 참가했던 자들이어서 바로 상황을 파악한 후 힘을 모아서 탈출을 시도하다 보니 그런 답답함이 없습니다.

설계자와 조직에 대한 이야기가 들어가며, 전편과 이어지는 동시에 약간의 변화를 줍니다. 저같은 경우 그래서 더 좋았지만, 방탈출 과정을 좋아하는 사람들이라면 아쉬워할 수도 있습니다.

현대미술과 의미

현대미술과 의미

앤디 워홀과 마르셀 뒤샹

앤디 워홀(Andy Warhol)의 캠벨 수프 통조림(Campbell's Soup Cans)은 주위에서 흔히 볼 수 있는 통조림을 무한 복제가 가능한 실크스크린 기법으로 그려 내었습니다.

1962년 완성된 작품으로 이를 놓고, 예술이라고 할 수 있냐는 논란이 일었죠.

그 이후 워홀은 자신의 작품활동을 키워갔는데 캠벨의 통조림은 워홀의 상징처럼 되어서 묘비마저 장식합니다.

그 훨씬 전에 더 논란이 되었던 작품은 1917년 마르셀 뒤샹(Marcel Duchamp)의 샘일 겁니다. 평범한 기성품인 남자 소변기를 서명만 해서 내놓은 작품이었죠.

지금은 현대미술에서 비슷한 시도를 하는 사람들도 많지만, 1917년에 그런 시도를 했다니 놀랍습니다.

마르셀 뒤샹이나 앤디 워홀 작품이 논란을 겪었지만, 결국은 예술 작품으로 인정받을 수 있었던 이유는 작품에 부여된 의미와 해석입니다.

인공지능 시대

의미를 부여했기 때문에 예술 작품이 되었던 건 성큼 다가온 AI 시대에 예술가들이, 아니 예술을 떠나 다양한 분야에서 인공지능과 경쟁하게 될 사람들이 살아남을 수 있는 방법으로 거론됩니다.

아직 초기이지만 인공지능은 고전파 부터 인상파, 추상파 등 다양한 스타일의 그림들을 그려냅니다. 음악도 원하는 분위기와 스타일을 말하면 뚝딱 만들어 낼 수 있습니다. 일부 작품에서 표절 논란이 있지만, 더많은 학습을 통해 근시일 내에 해결될 거라고 전망하죠.

작품의 양에서 인공지능에 뒤지고, 질에서는 큰 차이가 없습니다. 하지만, 인공지능에 없는 건 인간의 의미부여입니다.

그런 면에서 혹자는 현대예술이 인공지능 시대가 도래하기 전에 인공지능에 대응할 수 있는 길을 열었다고 평하기도 합니다.

평가불가

하지만, 그런 현대예술은 여전히 난점(難點)을 지니고 있습니다. 

의미가 중요하다 보니 작품만 놓고는 전문가들조차 작품의 가치를 구분하지 못하는 경우가 많습니다.

유명해지기는 어려워도 일단 유명해지면 그 사람의 모든 것이 가치있고 예술적이라는 평가를 받죠.

유명한 작가가 익명으로 출품하였더니 낙선하고, 이름이 알려지는 순간 갑자기 가치를 인정받기도 하죠.

현대미술을 관람하던 학생이 장난으로 작품 옆 안경을 벗어 놓았더니 관람객들이 그것도 작품이라 생각하고, 온갖 해석을 내놓은 경우도 있죠.

밤에 박물관을 청소하던 사람이 깜빡 잊고 구석에 대걸레를 세워두고 퇴근했는데, 다음 날 아침 개관 후 대걸레 앞에서 사진을 찍는 일도 벌어집니다.

의미와 해석에 과도하게 의존하는 현대미술은 온갖 미사어구로 포장하지만, 어느 정도 거품이라고 봐야 합니다.

현대미술 자체의 가치를 폄하하는 것은 아니고 그 가격이 거품일 수 있다는 겁니다.

현대미술과 NFT

이런 현대미술의 특징이 그대로 반영된 것 중 하나가 NFT입니다. NFT뿐만 아니라 가상자산이 그렇죠. 

기반이 되는 블록체인 기술이 그런 건 아니지만, 구현된 가상자산과 NFT는 본질적 가치가 아닌 의미와 해석, 다르게 보면 믿음과 환상이 그 가격을 부여한다는 점이 유사하죠.

NFT는 얼마든 복제가 가능한 디지털 자산에 고유하다는 인증을 붙여서 높은 가격에 거래가 되는 겁니다. 희대의 사기극이라고 하는 사람도 있죠.

하지만, 얼마든지 대량 생산 가능한 기법의 작품이 고가에 팔리는 앤디 워홀의 작품이나, 샘이라고 이름 붙은 마르셀 뒤상의 소변기나 무슨 차이점이 있을까요? 의미를 부여한 사람이 다르다는 것을 빼면.

인공지능의 대안일까

앞서 말했 듯이 의미와 해석으로 인공지능의 작품과 차별화를 하게 되고 이것이 인간이 인공지능과 공존해 나가는 대안이라고 보는 사람도 있습니다.

하지만, 언제까지나 그럴까요?

지금도 인공지능의 창작물에도 얼마든지 의미를 부여할 수 있습니다. 

심지어 영향력이 있는 사람 몇 명이 특정 인공지능 개발 회사에 투자한 후에 그 인공지능이 만들어내는 작품은 다른 인공지능이 만든 작품과 다르다고 부여하면 특정 인공지능의 작품은 인간이 제조한 작품처럼, 또는 더 이상의 가치로 거래되는 것이 가능합니다.

현대예술의 실험정신과 그 의미를 부정하려는 것은 아닙니다. 소위 전문가라는 사람들이 예술품의 가치를 매겨야 한다는 것도 아닙니다.

하지만, 어떻게 포장을 하든 거품이 없다고는 할 수 없어 보입니다.

현대예술의 예술성

그렇다고 현대예술의 예술성을 부정하는 것은 아닙니다.

의미와 해석이 중요한, 때로는 전부인 현대예술에서 현대예술을 예술로 받아들일지는 개인의 몫일 뿐입니다.

본인이 현대예술에 심취했다고, 현대예술이 예술임을 강조하거나 현대예술을 이해하지 못하는 사람을 예술을 이해 못하는 사람으로 폠하해서는 안됩니다.

반대로 본인이 현대예술을 이해하지 못한다고 현대예술의 예술적 가치를 무시해서도 안 되죠.

의미와 해석, 그리고 개인에 따라 다르게 받아들일 수 있는 것은 비단 현대예술만이 아니라 예술 자체의 속성인지 모릅니다. 

용서

용서

얼마 전 추신수 선수가 미국에서 한국 야구계를 걱정하는 듯한 말을 하다가, '한국은 용서가 쉽지 않은 것 같다'는 말을 해서 구설수에 올랐습니다. 딱 그 한 문장때문은 아니긴 하지만요.

용서가 강요되는 사회

용서는 미덕일 수 있습니다. 어렸을 적에 그렇게 배우기도 했죠. 하지만, 그렇다고 용서를 강요할 수는 없습니다.

특히, 성범죄나 학교폭력 같은 경우 피해자는 상처를 평생 지니고 사는 경우가 많습니다.

그 사건을 가장 잊고 싶은 건 어쩌면 피해자일 수 있습니다. 하지만, 잊기에 너무 큰 상처이기에 안 잊는게 아니라 못 잊는 겁니다. 그런데도, 피해자에게 용서를 강요하는 건 그 자체가 또 다른 폭력이 될 수 있습니다.

물론 사회가 안정적이기 위해서는 용서가 필요합니다. 그렇다고 그것이 강요를 위한 명분이 되어서는 안 됩니다. 용서를 쉽게 못하는 사회보다 더 안 좋은 건 용서를 강요하는 사회일지 모릅니다.

미국인들은 용서를 잘 할까?

그렇다면, 추신수 선수의 말대로 미국인들은 용서를 잘 하고, 한국인들은 용서를 못하는 사람들일까요?

그 부분에 대해서는 동의하지는 않지만, 그렇다고 반대하는 것도 아닙니다. 그냥 잘 모르겠습니다. 매우 주관적인 부분이니까요.

그 말에 동의를 하는 건 아니지만, 문득 예전에 미국에 사는 어떤 사람이 해 준 말이 떠오릅니다.

A와 B는 같은 반인데, 어느 날 힘이 센 A가 자기보다 약한 B를 10대 때렸습니다. 그런데, 마침 지나가던 선생님이 그걸 보았죠. 

이때, 선생님이 A가 잘못했다고 아주 약하게 한 대 살짝 건드리듯이 때리고는, 이러면 둘다 똑같으니 끝난 일이라고 말하면 B의 마음에는 여전히 앙금이 남게 됩니다. 

그런데, 선생님이 A가 잘못했다고 100대, 그것도 아주 세게 때리면 B는 A가 안 되었다고 생각하게 됩니다.

지나치게 가볍게 단순화한 예이기는 하지만, 하려는 이야기는 명확합니다. 사적 보복이 없고, 용서를 잘 하는 사회가 이루어지려면, 피해자가 어느 정도 고개를 끄덕일 수 있는 강한 처벌이 필요하다는 것이죠.

그분은 미국인들이 용서를 잘 하는 것처럼 보이는 것은 미국에서 법적 처벌이 더 강력하기 때문이라고 하더군요.

실수, 실패 그리고 범죄의 구분

미국이 용서를 잘 하는 것처럼 보이는 또다른 이유는 강력한 처벌 외에 실수와 범죄를 나눠서 보기때문이라는 설도 있죠.

미국에서는 실수와 범죄를 나눠서 단순 실수나 실패에 대해서는 용서를 잘 하고, 범죄에 대해서는 강력히 처벌하기에 용서를 잘 하는 것처럼 보인다는 주장입니다.

우리나라는 음주 후 성폭행을 한 사건에서 가해자의 변호사는 가해자가 술때문에 '실수'했다며 선처를 호소하기도 하는데, 그런 건 실수가 아닙니다. 술에 취했든 아니든 안 해야하는 것을 의도적으로 하는 건 실수가 아닌 범죄이죠.

실수란 설겆이 하다가 미끄러져 접시를 깨뜨리는 것처럼 해야하는 일을 하다가 잘못되는 경우를 말합니다.

사업에 실패했을 때 다시 도전 기회를 주는 것이 실패에 대한 용서이고요. 미국의 스타트업들이 미래산업을 주도할 수 있었던 이유라고 하죠.

용서도 자본에 따라

미국은 용서를 잘 하는데 우리는 용서를 잘못한다는 추신수 선수의 주장에 대한 또 다른 의견은 자본주의적 용서라는 것입니다. 

사람들은 무의식 중에 돈이 많은 사람들에게 더 관대한 경향이 있다는 것이죠. 특히, 미국에서는 더 크다고 합니다.

그리고, 말하더군요. 미국이 용서를 잘 하는게 아니라 추신수 선수가 돈을 많이 벌었기 때문에 미국에서 추신수 선수가 잘못했을 때에 사람들이 더 관대했을 거라는 것이죠.

위의 이야기들은 다 각자 말한 사람들 개개인의 생각일뿐 실제 그런지 확인할 수는 없습니다. 그냥 그렇게 생각하는 사람도 있다는 정도일뿐 절대적이거나 정확한 평가나 분석이라고는 할 수 없습니다.

다만, 미국은 용서를 잘 하고, 한국은 용서를 못한다는 추신수 선수의 생각 역시 그저 수많은 생각들 중 하나일 뿐이라는 말을 하려고 했을 뿐입니다. 

미국의 라디오에서 사실이 아닌데 사실인 양 단정적으로 말했다면 그에 따른 비난 역시 감수해야 하겠죠.

Élisabeth Vigée Le Brun (1755-1842)

엘리자베트 비제 르브룅 (1755-1842)

Élisabeth Vigée Le Brun

엘리자베트 비제 르브룅(Élisabeth Louise Vigée Le Brun, 1755-1842), 딸 쥘리를 안고 있는 자화상(Self-Portrait with Her Daughter, Julie; Madame Vigée-Lebrun et sa fille), 1786, 캔버스에 유화(oil on canvas), 105 x 84 cm, 루브르 박물관(Louvre Museum)

엘리자베트 비제 르브룅이 활동하던 당시에는 여성이 입을 벌리고 웃는다는 것을 정숙하지 못한 일로 여겼다고 합니다. 그렇기 때문에 상류층 여성이 입을 벌리고 웃는 모습을 그린다는 것은 상상하기 어려웠죠. 지금으로서는 상상하기 힘든 분위기죠.

그런 사회적 분위기 속에서도 엘리자베트 비제 르브룅은 <딸 쥘리를 안고 있는 자화상>에서 자신이 살짝 입을 벌리고 웃고있는 모습을 그리고 있습니다. 활짝 벌리고 웃는 것도 아니었지만, 이 정도를 벌린 모습조차 도전적이었다고 할 수 있다네요.

엘리자베트 비제 르브룅(Élisabeth Louise Vigée Le Brun, 1755-1842), 딸 쥘리를 안고 있는 자화상(Self-Portrait with Her Daughter, Julie; Elisabeth Louise Vigée-Lebrun; Madame Vigée-Lebrun et sa fille), 1789, 캔버스에 유화(oil on canvas), 130 x 94 cm, 루브르 박물관(Louvre Museum)

1789년에 그린 비슷한 구도의 그림에서는 자신 뿐만 아니라 오히려 딸까지도 살짝 입을 벌리고 웃고 있는 모습으로 그리고 있습니다. 

엘리자베트 비제 르브룅(Élisabeth Louise Vigée Le Brun, 1755-1842), 마리 앙투아네트와 자녀들(Marie-Antoinette de Lorraine-Habsbourg, reine de France et ses enfants; Marie-Antoinette de Lorraine-Habsbourg, Queen of France, and her children), 1787, 캔버스에 유화(oil on canvas), 275 x 216.5 cm, 베르사유 궁전(Palace of Versailles)

<마리 앙투아네트와 자녀들>에서 마리 앙투아네트를 권력을 쥐고 있는 왕비의 모습이 아닌 자애롭고 가정적인 어머니의 모습으로 그린 것 역시 당시 기준으로 볼 때 과감한 시도였다고 합니다.

쉐프강의맛있는짜장 여의도점, 서여의도

쉐프강의맛있는짜장 여의도점, 서여의도 

중식당 

서울 영등포구 여의공원로 101 C.C.M.M빌딩

서여의도 C.C.M.M빌딩 지하에 위치한 중화요리 전문점입니다.

이곳을 처음 알게 된 것은 약 1년 전이었습니다. 그 앞을 지나가는데 같이 가던 분이 저래뵈도 나름 짜장면 맛집이어서 일부러 찾아오는 사람들도 있다고 하더군요. 하지만, 그분이 전날에도 중국음식을 먹었다고 해서 그날은 다른 곳으로.

그리고, 얼마 전 그 앞을 또 지나가게 되었습니다. 저 집이 궁금하다고 하니, 같이 가던 분이 자기가 여기서 7년을 일했는데 그동안 한번만 가고 다시는 안 가는 식당이 딱 두 곳이 있는데 그 중 한 곳이 저 집이라고 하더군요.

어렸을 적 학교 선생님이 우리나라에서 짜장면이 인기를 얻었던 이유를 말씀해주신 적이 있습니다. 예전에는 음식점들 마다 맛 차이가 심해서 낯선 지방 등을 갔을 때 위험부담이 있었다고 합니다. 하지만, 짜장면은 어디를 가도 맛이 큰 차이가 없어서 처음 가는 동네에서 식당을 갈 일이 있으면 사람들이 중국음식점을 선호했다는 겁니다.

사실 여부를 떠나서 그만큼 짜장면은 특별히 맛있는 집도, 반대로 맛없는 집도 흔치 않죠. (아예 없다는 건 아닙니다.) 

그런데, 만났던 두 사람이 같은 가게에 대해 정반대의 반응을 보여서 가게에 대한 궁금증이 커졌습니다.

바로 짜장면을 시켰고요, 느낌은 옛날 선생님 말씀이 맞다는 느낌이 들었습니다.

멀리서 일부러 먹으러 찾아올 맛집은 아닙니다. 그렇다고, 다시는 안 갈 그런 곳도 아닙니다. 맛이 아니라 다른 이유로 맘이 상했던 걸까 싶네요.

사장님은 친절하시고, 짜장면 양도 많은 편입니다. 짜장이 약간 단 느낌이 나기는 한데, 요즘 워낙 단 음식이 많다 보니 신경쓰일 정도는 아니죠.

대단한 맛집까지는 아니어도 배달음식으로는 느낄 수 없는 따끈따근함이 좋습니다.

***

메뉴판에는 맛있는 짜장이 4,900원으로 되어있습니다만, 최근 물가상승으로 모든 메뉴를 1,000원씩 더 받습니다. 그리고, 현금 아닌 카드로 결제하면 100원을 더 받습니다.

요즘 물가에 짜장면 6,000원은 비싼 가격은 아니긴 하죠. 더구나 여의도에서.

그런데, 메뉴판은 4천원대인데, 6천원을 내라고 하면 기분 나빠할 사람도 있을 것 같긴 합니다.

엘리자베트 비제 르브룅의 과감한 도전

엘리자베트 비제 르브룅의 과감한 도전

여성 화가 엘리자베트 비제 르브룅(Élisabeth Vigée Le Brun, 1755-1842)의 그림 <딸 쥘리를 안고 있는 자화상(Self-Portrait with Her Daughter, Julie)>이나  <마리 앙투아네트와 자녀들(Marie Antoinette and Her Children)> 같은 그림들은 당시 사회적 분위기를 모르면 그 그림들이 대담하거나 도전적이었을 거라는 생각은 들지 않습니다. 

그런데, 사회 분위기를 알면 달라집니다.

엘리자베트 비제 르브룅이 활동하던 당시에는 여성이 입을 벌리고 웃는다는 것을 정숙하지 못한 일로 여겼다고 합니다. 그렇기 때문에 상류층 여성이 입을 벌리고 웃는 모습을 그린다는 것은 상상하기 어려웠죠.

그런데, 엘리자베트 비제 르브룅은 <딸 쥘리를 안고 있는 자화상>에서 자신과 딸을 살짝 입을 벌리고 있는 모습으로 그리고 있습니다. 활짝 벌린 것도 아니었지만, 이 정도를 벌린 모습조차 도전적이었다고 할 수 있다네요.

엘리자베트 비제 르브룅(Élisabeth Louise Vigée Le Brun, 1755-1842), 딸 쥘리를 안고 있는 자화상(Self-Portrait with Her Daughter, Julie; Elisabeth Louise Vigée-Lebrun; Madame Vigée-Lebrun et sa fille), 1789, 캔버스에 유화(oil on canvas), 130 x 94 cm, 루브르 박물관(Louvre Museum)

또한, <마리 앙투아네트와 자녀들>에서 마리 앙투아네트를 권력을 쥐고 있는 왕비의 모습이 아닌 자애롭고 가정적인 어머니의 모습으로 그린 것 역시 당시 기준으로 볼 때 과감한 시도였다고 합니다.

엘리자베트 비제 르브룅(Élisabeth Louise Vigée Le Brun, 1755-1842), 마리 앙투아네트와 자녀들(Marie-Antoinette de Lorraine-Habsbourg, reine de France et ses enfants; Marie-Antoinette de Lorraine-Habsbourg, Queen of France, and her children), 1787, 캔버스에 유화(oil on canvas), 275 x 216.5 cm, 베르사유 궁전(Palace of Versailles)

하긴, 엘리자베트 비제 르브룅이 예술가의 길을 걸은 것 자체가 과감한 도전이었을 겁니다.

사연 있는 그림

사연 있는 그림

이은화 지음

상상출판

사연 있는 그림은 32명의 예술가들과 그들의 작품에 대한 이야기들을 담고 있습니다.

예술사 자체나 작품의 예술적 측면보다는 작품에 얽힌 이야기들 위주로 길지 않게 되어 있어서 읽기 좋습니다.

맨 먼저 나오는 예술가는 빈센트 반 고흐(1853-1890)입니다. 고흐의 수많은 걸작 중에서 <가셰 박사의 초상(Portrait of Dr. Gachet)>에 대해 이야기를 합니다. 고흐의 <가셰 박사의 초상>은 두 가지 버전이 전해지고 있는데, 두 작품은 서로 다른 길을 가게 되죠. 고흐 작품이라는 것을 의심받지 않는 첫 번째 버전 작품은 현재 남아있는지 확인되지 않습니다. 오르세 미술관에 있는 두 번째 버전 작품은 존재는 확실하나 고흐가 아닌 가셰 박사가 그린 거라고 의심하는 사람들도 있죠.

그 다음 나오는 예술가는 앤디 워홀(1928-1987)입니다. 캠벨 수프 통조림(Campbell's Soup Cans)과 <하얀색 브릴로 상자들> 등 워홀의 대표적인 작품을 통해 그의 작품이 왜 예술로 받아들여질 수 있는지, 어떻게 해서 워홀이 20세기 현대 미술의 아이콘이 되었는지 이야기를 하죠. 

여성 화가 엘리자베트 비제 르브룅(Élisabeth Vigée Le Brun, 1755-1842)도 빠질 수 없죠. 그녀의 그림 <딸 쥘리를 안고 있는 자화상(Self-Portrait with Her Daughter, Julie)>나 <마리 앙투아네트와 자녀들(Marie Antoinette and Her Children)> 등을 모르고 보면, 잘 그렸다는 생각은 들지만 도전적인 그림이라는 생각은 들지 않습니다. 

하지만, <딸 쥘리를 안고 있는 자화상>에서 처럼 상류층 여성이 입을 벌리고 웃는 모습을 그린다는 것은 당시에는 대담한 도전이었다고 합니다. 또한, <마리 앙투아네트와 자녀들>에서 마리 앙투아네트를 권력을 쥔 왕비가 아닌 자애롭고 가정적인 어머니의 모습으로 그린 것도 당시 기준으로는 과감한 시도였다고 합니다.

그 외에도 작가와 작품에 대해 잘 모르던 이야기들이 많이 나와서 흥미롭습니다.

빈센트 반 고흐, 가셰 박사의 초상

빈센트 반 고흐, 가셰 박사의 초상

고흐가 말년인 1890년에 자신의 정신과 의사이자 친구인 가셰 박사를 그린 초상화는 두 가지 버전이 있었습니다. 

첫 번째 버전은 작품이 그려진지 약 100년이 지난 1990년에 미화 8,250만 달러(현재 가치 환산 시 1억 7,110만 달러)로 당시 기준으로 경매 사상 세계 최고가로 사이토 료에이 회장에게 팔립니다. 

경매 가격도 놀라웠지만, 사이토 회장의 유언은 더욱 놀라웠죠. 자신이 죽으면 그림도 같이 화장해 달라는 거였으니. 후손들이 그 유언을 들어주었는지는 확인되지 않았습니다. 

유언대로 그림을 불에 태웠는지 아닌지 모르지만, 어쨋든 그 이후 그림의 행방은 알 수 없어졌습니다.

사람들을 놀라게 한 후 사라져 버린 첫 번째 버전과 달리 두 번째 버전은 큰 이슈없이 오르세 미술관에 보관되어 왔죠.

가셰 박사가 소유하고 있다가 후손들이 프랑스 정부에 기증했기 때문인데, 두 번째 버전의 경우 한때 고흐가 아닌 가셰 박사가 그린 것으로 의심받기도 했다고 합니다.

빈센트 반 고흐(Vincent van Gogh, 1853-1890), 가세 박사의 초상(Portrait du docteur Gachet; Portrait of Dr. Gachet) 첫 번째 버전(1st version), Auvers-sur-Oise, June 1890, 캔버스에 유채(oil on canvas), 67x56cm, 개인 소장(Private collection)

빈센트 반 고흐(Vincent van Gogh, 1853-1890), 가세 박사의 초상(Portrait du docteur Gachet; Portrait of Dr. Gachet) 두 번째 버전(2nd version), 1890, 캔버스에 유채(oil on canvas), 68x57cm, 오르세 미술관(Musée d'Orsay, Paris)

미가오니기라즈, 용산구

미가오니기라즈, 용산구

김밥

서울 용산구 한강대로23길 55 3층 미가오니기라즈

접어먹는 사각김밥 오니기라즈 전문점입니다.

여러 종류의 오니기라즈가 만들어져 있었는데 그 중에 김치참치 오니기라즈(5,300)를 먹었습니다. 

점포 안에 한두 명 서서 먹을 자리가 있는데, 그 날은 날도 안 추워서 밖에서 여유있게 먹었습니다. 먹기 편하고 맛도 있네요.

한 팩에 두 개가 들어있는데, 한끼로 먹으려면 한 팩으로는 부족한 양이고, 영화시간 기다릴 때나 기차타고 가면서 기차 안에서 간단히 먹기 좋습니다.